Hay conciertos que funcionan como entretenimiento y otros que operan como detonadores emocionales. Lo ocurrido en el Estadio GNP Seguros el pasado viernes 13 de febrero perteneció a la segunda categoría: una ceremonia multitudinaria donde más de 60 mil personas decidieron volver a la adolescencia sin pedir permiso.
Desde horas antes, la explanada era un desfile monocromático. Chaquetas militares negras, corbatas rojas, delineador corrido, botas lustradas con esmero. La iconografía de The Black Parade no era simple nostalgia: era uniforme de guerra sentimental. Un fan de 32 años, con la chaqueta perfectamente abotonada, resumía el ánimo colectivo mientras ajustaba su flequillo: “Crecí con este disco, hoy vengo a agradecerle que me haya salvado”.
Para amenizar, en el acceso A, antes de pasar el último filtro, el patrocinador principal del evento montó una activación que no pasó desapercibida. HSBC transformó su espacio en una especie de catedral gótica efímera: arcos puntiagudos, vitrales simulados y una iluminación tenue que replicaba el dramatismo visual del universo de la gira.
En la entrada, un trono monumental invitaba a los asistentes a sentarse como si fueran parte de la procesión negra; la fotografía se imprimía al instante, recuerdo tangible de la noche. Dentro del recinto promocional, además, los fans podían estampar parches oficiales en chamarras y playeras —desde el logotipo de la banda hasta corazones anatómicos y calaveras estilizadas—, un beneficio exclusivo para clientes del banco. La fila no se vació en ningún momento: más que una dinámica comercial, parecía una extensión estética del propio concierto.
Teloneros de lujo
Pero antes de que la procesión negra tomara el estadio, hubo una detonación distinta. Los encargados de encender la mecha fueron The Hives, veteranos del caos elegante que desde hace años encontraron en México una especie de territorio adoptivo. Aquí no son visitantes: son habituales. Tanto, que el público los rebautizó con humor y cariño como “Los Jaivas”, un guiño que habla del nivel de apropiación que existe entre banda y audiencia.
Vestidos con sus impecables trajes en blanco y negro, los suecos salieron a imponer orden a punta de desorden. Pelle Almqvist, hiperactivo como predicador eléctrico, no soltó el micrófono ni la interacción en español durante todo el set. } The Hives han repetido en múltiples ocasiones que sus conciertos más grandes y explosivos suelen darse en suelo mexicano. Y se nota que lo saben.
El repertorio fue una ráfaga sin pausas: riffs cortantes, baterías al frente, coros diseñados para el grito colectivo. La conexión no fue circunstancial; fue recíproca. Si My Chemical Romance apelaría más tarde a la memoria emocional, The Hives apelaron primero al instinto físico.
De regreso a la adolescencia
A las 21:00 en punto el recinto se apagó. El murmullo se convirtió en presión sonora cuando las primeras notas de “The End.” se deslizaron como una marcha fúnebre reinterpretada para estadio. Gerard Way apareció con la rigidez ceremonial de un maestro de ceremonias que sabe que está invocando algo más grande que una canción. Detrás, Ray Toro sostuvo la arquitectura melódica con precisión quirúrgica; Frank Iero inyectó nervio punk en cada acento; Mikey Way, estoico, marcó el pulso que convirtió la angustia en himno colectivo.
No hubo concesiones: el álbum fue ejecutado en orden, como si se tratara de una obra teatral dividida en actos. “Dead!” aceleró el corazón del estadio; “This Is How I Disappear” añadió un filo más áspero; “The Sharpest Lives” se sintió más cruda que en estudio. La producción evitó el exceso gratuito y apostó por una narrativa visual que evocaba hospitales, desfiles y decadencia institucional. La distopía inventada para esta gira —con su imaginario autoritario y su estética marcial— no fue decorado, sino contexto.
“Welcome to the Black Parade” no cerró, aunque el público la gritó como si fuera el final definitivo. Way la presentó desde un estrado, con gesto severo y teatralidad desbordada. A sus 40 y tantos, mantiene una presencia escénica que combina dramatismo, ironía y un descontrol cuidadosamente calculado. Se arrodilla, se retuerce, ríe con un dejo siniestro, y luego canta con una convicción que no parece impostada. La teatralidad no es accesorio en MCR: es lenguaje.
“Mama” fue uno de los momentos más intensos. La cadencia casi cabaretera derivó en un baile extraño entre Way y uno de los personajes del universo ficticio de la gira. Hubo algo grotesco y festivo al mismo tiempo. Los gritos aún le salen afilados; no hay nostalgia en piloto automático.
El cierre del bloque con “Famous Last Words” funcionó como catarsis. Cuando Way entrelazó fragmentos de “Welcome to the Black Parade” sobre el clímax final, el estadio respondió con una sola voz que parecía empujar el techo invisible del recinto. Una joven, maquillada con lágrimas negras pintadas a mano, apenas podía hablar tras el tema: “No pensé que volvería a sentir esto tan fuerte”.
Tras un breve interludio, la banda dejó atrás la ficción marcial y regresó como My Chemical Romance a secas. El segundo set fue menos conceptual y más impredecible. “Helena” cayó como una descarga eléctrica; “Our Lady of Sorrows” recordó sus raíces más cercanas al post-hardcore; “Na Na Na” desató un coro que obligó a Way a mirar a sus compañeros con incredulidad. Un “holy shit” escapó desde el escenario ante el rugido mexicano.
Hubo guiños especiales. “S/C/A/R/E/C/R/O/W” apareció como sorpresa, un regalo que descolocó incluso a los seguidores más meticulosos del setlist. “I’m Not Okay (I Promise)” desató uno de los momentos más físicos de la noche; “Thank You for the Venom” y “Hang ‘Em High” reforzaron la musculatura guitarrera que Ray Toro ha perfeccionado desde los inicios de la banda en 2001, en Nueva Jersey.
En medio del frenesí, Way recordó un episodio que los fans mexicanos guardan como mito: la noche de 2007 en el Palacio de los Deportes cuando “mataron” simbólicamente a The Black Parade. “El lugar donde murió está cruzando la calle”, dijo, apuntando hacia la memoria colectiva. El comentario no fue simple anécdota; fue una forma de cerrar un círculo de casi dos décadas.
El público, ahora treintón en buena parte, respondió con la misma intensidad que hace 20 años. Más canas, menos flequillos perfectos, pero idéntica entrega. “Venía con mis papás cuando era adolescente; hoy vine con mi hija”, comentó un asistente antes de que arrancara “The Kids From Yesterday”. La frase flotó en el aire como diagnóstico generacional.
Sin pirotecnia —limitada por la contingencia ambiental— el espectáculo se sostuvo en música, narrativa y conexión directa. No hizo falta fuego real: el incendio fue emocional. Durante más de dos horas y 24 canciones, My Chemical Romance reafirmó por qué su tercer álbum se convirtió en pieza angular del rock alternativo de los 2000. No es sólo un disco conceptual sobre la muerte; es un espejo donde una generación aprendió a procesar su propia oscuridad.
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